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ABOUT ROCKMUSIC
Rock music is a genre of popular music that developed during and after the 1960s, particularly in the United Kingdom and the United States. It has its roots in 1940s and 1950s rock and roll, itself heavily influenced by rhythm and blues and country music. Rock music also drew strongly on a number of other genres such as bluesand folk, and incorporated influences from jazz, classical and other musical sources.
Musically, rock has centred around the electric guitar, usually as part of a rock group with bass guitar and drums. Typically, rock is song-based music with a 4/4 beat utilizing a verse-chorus form, but the genre has become extremely diverse and common musical characteristics are difficult to define. Like pop music, lyrics often stress romantic love but also address a wide variety of other themes that are frequently social or political in emphasis. The dominance of rock by white, male musicians has been seen as one of the key factors shaping the themes explored in rock music. Rock places a higher degree of emphasis on musicianship, live performance, and an ideology of authenticity than pop music.
By the late 1960s a number of distinct rock music sub-genres had emerged, including hybrids like folk rock, blues-rock, country rock, raga rock, and jazz-rock fusion, many of which contributed to the development of psychedelic rock influenced by the counter-cultural psychedelic scene. New genres that emerged from this scene included progressive rock, which extended the artistic elements; glam rock, which highlighted showmanship and visual style, and the diverse and enduring major sub-genre of heavy metal, which emphasized volume, power and speed. In the second half of the 1970s, punk rock both intensified and reacted against some of these trends to produce a raw, energetic form of music characterized by overt political and social critiques. Punk was an influence into the 1980s on the subsequent development of other sub-genres, including New Wave, post punk and eventually the alternative rock movement. From the 1990s alternative rock began to dominate rock music and break through into the mainstream in the form of grunge,Britpop, and indie rock. Further fusion sub-genres have since emerged, including pop punk, rap rock, and rap metal, as well as conscious attempts to revisit rock's history, including the garage rock/post punk revival at the beginning of the new millennium.
Rock music has also embodied and served as the vehicle for cultural and social movements, leading to major sub-cultures including mods and rockers in the UK and the "hippie" counterculture that spread out from San Francisco in the US in the 1960s. Similarly, 1970s punk culture spawned the visually distinctive goth and emosubcultures. Inheriting the folk tradition of the protest song, rock music has been associated with political activism as well as changes in social attitudes to race, sex and drug use, and is often seen as an expression of youth revolt against adultconsumerism and conformity.
ABOUT ROCKMUSICAL
A rock musical is a musical theatre work with rock music. The genre of rock musical may overlap somewhat with album musicals, concept albums and song cycles, as they sometimes tell a story through the rock music, and some album musicals and concept albums become rock musicals. Notable examples of rock musicals include Hair, Grease, Rent, Spring Awakening, and Next to Normal. The Who's Tommy and other so-called rock operas are sometimes presented on stage as a musical.
The rock musical became an important part of the musical theatre scene in the late 1960s with the hit show Hair. Styled "The American Tribal Love-Rock Musical," the anti-war free-love hippie-themed, nude-scened Hair premiered in 1967 as the first production staged at the Public Theatre. It moved to Broadway in October 1968.[1] Your Own Thing also opened in 1968 and featured a gender-switching version of William Shakespeare's Twelfth Night. However, the first musical to hint at what was to come had been the final edition of the Ziegfeld Follies in 1957.[2] This production featured one rock and roll number, "The Juvenile Delinquent." The song was performed by fifty year-old Billy DeWolfe. This was followed by another precursor to the rock musical,Bye Bye Birdie (1960)."[3] Although rock and roll would have to wait for seven more years before returning to Broadway, these early, tentative infusions of rock into musical theatre paved the way for Hair and its progeny.[4]
Jesus Christ Superstar, composed by Andrew Lloyd Webber and Tim Rice, began as an album musical in 1970. The money made from album sales was used to fund the subsequent stage production in late 1971.[5] This show and some other rock musicals that have no dialogue or are otherwise reminiscent of opera, with dramatic, emotional themes, are sometimes styled "rock operas". The musical Godspell (1971), had similar religious themes (albeit with a less controversial treatment) and pop/rock influences.[5] The genre continued to develop through the 1970s with shows such as Grease[5] and Pippin.[6] The rock musical soon moved in other directions with shows like The Wiz, Raisin, Dreamgirls and Purlie, which were heavily influenced by R&Band soul music.
The rock musical saw a decline in popularity through the 1980s. Except for a few outposts of rock, like Little Shop of Horrors(1982) and Chess (1986), audience tastes turned to shows with European pop scores, like Les Misérables and The Phantom of the Opera, as well as to more nostalgic fare. However, the rock musical achieved a renaissance in the 1990s, due in no small part to the popularity of Jonathan Larson's Tony- and Pulitzer Prize-winning rock musical Rent (1996). This was followed by Off-Broadway rock musicals like Bat Boy: The Musical (1997)[7] and Hedwig and the Angry Inch (1998), John Cameron Mitchell's Off-Broadway show about a transgendered rocker.[8] The end of the 1980s saw the beginning of a new form, jukebox musicals, such as Buddy – The Buddy Holly Story, Mamma Mia! and Jersey Boys, which feature the songs of a popular band, performer or genre.[9]
The rock musical has seen a resurgence in the late 1990s and the 2000s, with shows by composers like Elton John (Aida, 1998), as well as a number of successful jukebox musicals with rock scores. Recent major original rock musical productions includeDuncan Sheik's 2007 Tony Award winner, Spring Awakening, Passing Strange (2008), Rock of Ages and Next to Normal (both 2009), and American Idiot (2010).[9]
In 2010, critic Jon Pareles of The New York Times pointed out that all four of the musicals nominated for the Tony Award for Best Musical that year could be described as rock musicals. He analyzed the history and future of rock on Broadway:
Rock’s takeover of Broadway was not the revolution that had been feared – or anticipated – ever since Hair ... Broadway held out for many years as a bastion against youth culture. ... Rock’s Broadway invasion has been, instead, a lengthy campaign of attrition, via demographics, shifting tastes and musicians’ ambitions. Every few years another production [was] touted as finally bringing full-fledged rock to musical theater: Rent, Hedwig and the Angry Inch ... Spring Awakening. Very gradually rock musicians have stopped treating Broadway as an adversary – or a punch line. And for fans it has become one more entertainment option, as prices for arena shows reach Broadway levels.[9]
Pareles commented, "rock has been transformed from nemesis to novelty to mainstay. ... Broadway productions can’t match the visceral impact – starting with volume – of a rock concert. (They try to make up for it with enthusiasm and slicker dancing.)"[9]Another problem for rock musicals is that rock shows "still leave theatergoers complaining that the characters are hollow. ... [However,] Broadway does provide current rock two major incentives. As the artistic unit of the album has been shattered, down to a handful of shuffled MP3’s, musical theater offers a refuge for songwriters who want to tell longer stories, the way the songwriter Stew did in his autobiographical rock musical Passing Strange." Pareles also noted, "Broadway may be the final place in America, if not the known universe, where rock still registers as rebellious. In the decorous little jewel boxes that are Broadway’s theaters, raunch seems raunchier, and rock musicals flaunt four-letter words and lascivious simulations. ... There are, of course, commercial incentives. Broadway’s unbudgingly middle-aged audience is currently a generation that grew up on rock and R&B and generally feels more comfortable taking reserved seats in small theaters than plunging into the scrum of a standing-room club audience, or dealing with a rowdy arena mob."[9]
Pareles attributed some of the new acceptance of rock as theatre to American Idol and its ilk, noting that some of the show's stars have moved to theatre. Also, "Rock’s old protestations of authenticity (versus Broadway contrivance) have been crumbling. As if glam rock in the ’70s and music video in the ’80s weren’t obvious enough in presenting rock as theater, pop’s video-era arena spectacles use the same technology as Las Vegas revues and Broadway shows."[9] Another driver of rock's acceptance is its own entry into middle age, Pareles said, noting that "as rock’s history stretches out ever longer ... it offers just as much room for ... the familiarity and nostalgia that keep the jukebox musicals running.[9] Still, Pareles concluded, "the last, crucial thrill of a rock performance – the unpredictability – stays just beyond Broadway’s reach. Two nights after the official opening of American Idiot, Green Day itself played an unannounced encore. The show had poured on its razzle-dazzle. .... But Green Day set off pandemonium. ... Green Day’s members may not be able to act or execute choreography ... but they also hold rock’s wild card: the potential, realized or not, for spontaneity."[9]
Pop Art
Pop Art is an art movement that emerged in the mid 1950s in Britain and in the late 1950s in the United States.[1] Pop art challenged tradition by asserting that an artist's use of the mass-produced visual commodities of popular culture is contiguous with the perspective of fine art. Pop removes the material from its context and isolates the object, or combines it with other objects, for contemplation.[1][2] The concept of pop art refers not as much to the art itself as to the attitudes that led to it.[2]
Pop art employs aspects of mass culture, such as advertising, comic books and mundane cultural objects. It is widely interpreted as a reaction to the then-dominant ideas of abstract expressionism, as well as an expansion upon them.[3] And due to its utilization of found objects and images it is similar to Dada. Pop art is aimed to employ images of popular as opposed to elitist culture in art, emphasizing the banal or kitschy elements of any given culture, most often through the use of irony.[2] It is also associated with the artists' use of mechanical means of reproduction or rendering techniques.
Much of pop art is considered incongruent, as the conceptual practices that are often used make it difficult for some to readily comprehend. Pop art andminimalism are considered to be art movements that precede postmodern art, or are some of the earliest examples of Postmodern Art themselves.[4]
Pop art often takes as its imagery that which is currently in use in advertising.[5] Product labeling and logos figure prominently in the imagery chosen by pop artists, like in the Campbell's Soup Cans labels, by Andy Warhol. Even the labeling on the shipping carton containing retail items has been used as subject matter in pop art, for example in Warhol's Campbell's Tomato Juice Box 1964, (pictured below), or his Brillo Soap Box sculptures.
The origins of pop art in North America and Great Britain developed differently.[2] In America, it marked a return to hard-edged composition andrepresentational art as a response by artists using impersonal, mundane reality, irony and parody to defuse the personal symbolism and "painterly looseness" of Abstract Expressionism.[3][6] By contrast, the origin in post-War Britain, while employing irony and parody, was more academic with a focus on the dynamic and paradoxical imagery of American popular culture as powerful, manipulative symbolic devices that were affecting whole patterns of life, while improving prosperity of a society.[6] Early pop art in Britain was a matter of ideas fueled by American popular culture viewed from afar, while the American artists were inspired by the experiences, of living within that culture.[3] Similarly, pop art was both an extension and a repudiation of Dadaism.[3] While pop art and Dadaism explored some of the same subjects, pop art replaced the destructive, satirical, and anarchic impulses of the Dada movement with detached affirmation of the artifacts of mass culture.[3] Among those artists seen by some as producing work leading up to Pop art are Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, and Man Ray.
The Independent Group (IG), founded in London in 1952, is regarded as the precursor to the pop art movement.[1][7] They were a gathering of young painters, sculptors, architects, writers and critics who were challenging prevailing modernist approaches to culture as well as traditional views of Fine Art. The group discussions centered on popular culture implications from such elements as mass advertising, movies, product design, comic strips, science fiction and technology. At the first Independent Group meeting in 1952, co-founding member, artist and sculptor Eduardo Paolozzi presented a lecture using a series of collages titled Bunk! that he had assembled during his time in Paris between 1947–1949.[1][7] This material consisted of 'found objects' such as, advertising, comic book characters, magazine covers and various mass produced graphics that mostly represented American popular culture. One of the images in that presentation was Paolozzi's 1947 collage, I was a Rich Man's Plaything, which includes the first use of the word "pop″, appearing in a cloud of smoke emerging from a revolver.[1][8] Following Paolozzi's seminal presentation in 1952, the IG focused primarily on the imagery of American popular culture, particularly mass advertising.[6]
Subsequent coinage of the complete term "pop art" was made by John McHale for the ensuing movement in 1954. "Pop art" as a moniker was then used in discussons by IG members in the Second Session of the IG in 1955, and the specific term "pop art" first appeared in published print in an article by IG members Alison and Peter Smithson in Arc, 1956.[9] However, the term is often credited to British art critic/curator, Lawrence Alloway in a 1958 essay titled The Arts and the Mass Media, although the term he uses is "popular mass culture".[10] Nevertheless, Alloway was one of the leading critics to defend the inclusion of the imagery found in mass culture in fine art.
Although the movement began in the late 1950s, Pop Art in America was given its greatest impetus during the 1960s. By this time, American advertising had adopted many elements and inflections of modern art and functioned at a very sophisticated level. Consequently, American artists had to search deeper for dramatic styles that would distance art from the well-designed and clever commercial materials.[6] As the British viewed American popular culture imagery from a somewhat removed perspective, their views were often instilled with romantic, sentimental and humorous overtones. By contrast, American artists being bombarded daily with the diversity of mass produced imagery, produced work that was generally more bold and aggressive.[7]
Two important painters in the establishment of America's pop art vocabulary were Jasper Johns and Robert Rauschenberg.[7]While the paintings of Rauschenberg have relationships to the earlier work of Kurt Schwitters and other Dadaists, his concern was with social issues of the moment. His approach was to create art out of ephemeral materials and using topical events in the life of everyday America gave his work a unique quality.[7][11] Johns’ and Rauschenberg’s work of the 1950s is classified as Neo-Dada, and is visually distinct from the classic American Pop Art which began in the early 1960s.[12][13]
Of equal importance to American pop art is Roy Lichtenstein. His work probably defines the basic premise of pop art better than any other through parody.[7] Selecting the old-fashioned comic strip as subject matter, Lichtenstein produces a hard-edged, precise composition that documents while it parodies in a soft manner.
The paintings of Lichtenstein, like those of Andy Warhol, Tom Wesselmann and others, share a direct attachment to the commonplace image of American popular culture, but also treat the subject in an impersonal manner clearly illustrating the idealization of mass production.[7] Andy Warhol is probably the most famous figure in Pop Art. Warhol attempted to take Pop beyond an artistic style to a life style, and his work often displays a lack of human affectation that dispenses with the irony and parody of many of his peers.
Claes Oldenburg, Jim Dine and Tom Wesselmann had their first shows in the Judson Gallery in 1959/60. In 1960 Martha Jackson showed installations and assemblages, New Media - New Forms featured Hans Arp, Kurt Schwitters, Jasper Johns, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg, Jim Dine and May Wilson. In 1961 Oldenburg created a store for Martha Jackson's spring show Environments, Situations, Spaces. In December he showed The Store at his studio.[16][17]
In London, the annual RBA exhibition of young talent in 1960 first showed American Pop influences. In January 1961, the most famous RBA-Young Contemporaries of all put David Hockney, the American R B Kitaj,Allen Jones, Derek Boshier, Patrick Caulfield, Peter Phillips and Peter Blake on the map. Hockney, Kitaj and Blake went on to win prizes at the John-Moores-Exhibition in Liverpool in the same year.
Opening October 31, 1962, Willem de Kooning's New York art dealer, the Sidney Janis Gallery, organized the groundbreaking International Exhibition of the New Realists, a survey of new to the scene American Pop, French, Swiss, Italian New Realism, and British Pop art. The fifty-four artists shown included Richard Lindner, Wayne Thiebaud, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Jim Dine,Robert Indiana, Tom Wesselmann, George Segal, Peter Phillips and Peter Blake (his large The Love Wall from 1961) and Yves Klein, Arman, Daniel Spoerri, Christo, Mimmo Rotella. Martial Raysse, Niki de Saint-Phalle and Jean Tinguely saw the show in New York and were stunned by the size and the look of the American work. Also shown were Marisol, Mario Schifano, Enrico Baj and Öyvind Fahlström. Janis lost some of his abstract expressionist artists, but gained Dine,Oldenburg, Segal and Wesselmann.[18]
A bit earlier, on the West-coast, Roy Lichtenstein, Jim Dine and Andy Warhol from NYC, Phillip Hefferton and Robert Dowd from Detroit; Edward Ruscha and Joe Goode from Oklahoma City, and Wayne Thiebaud from California were included in the New Painting of Common Objects show. This first Pop Art museum exhibition in America was curated by Walter Hopps at the Pasadena Art Museum [1]. Pop Art now was a success and was going to change the art world forever. New York followed Pasadena in 1963 when the Guggenheim Museum exhibited Six Painters and the Object, curated by Lawrence Alloway. The artists were Jim Dine, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, and Andy Warhol.[19]
By 1962, the Pop artists began to exhibit in commercial galleries in New York and Los Angeles, for some it was their first commercial one-man show. The Ferus Gallery presented Andy Warhol in Los Angeles andEd Ruscha in 1963. In New York, the Green Gallery showed Rosenquist, Segal, Oldenburg, and Wesselmann, the Stable Gallery R. Indiana and Warhol (his first New York show), the Leo Castelli Gallery presented Rauschenberg, Johns, and Lichtenstein, Martha Jackson showed Jim Dine, and Allen Stone showed Wayne Thiebaud. By 1965–1966 after the Green Gallery and the Ferus Gallery closed the Leo Castelli Gallery represented Rosenquist, Warhol, Rauschenberg, Johns, Lichtenstein and Ruscha, The Sidney Janis Gallery represented Oldenburg, Segal, Wesselmann and Marisol, while Allen Stone continued to represent Thiebaud, and Martha Jackson continued representing Robert Indiana.[20]
It should also be noted that while the British pop art movement predated the American pop art movement, there were some earlier American proto-Pop origins which utilized 'as found' cultural objects.[3] During the 1920s American artists Gerald Murphy, Charles Demuth and Stuart Davis created paintings prefiguring the pop art movement that contained pop culture imagery such as mundane objects culled from American commercial products and advertising design.[21][22][23]
In Spain, the study of pop art is associated with the "new figurative", which arose from the roots of the crisis of informalism. Eduardo Arroyo could be said to fit within the pop art trend, on account of his interest in the environment, his critique of our media culture which incorporates icons of both mass media communication and the history of painting, and his scorn for nearly all established artistic styles. However, the Spaniard who could be considered the most authentically “pop” artist is Alfredo Alcaín, because of the use he makes of popular images and empty spaces in his compositions.
Also in the category of Spanish pop art is the “Chronicle Team” (El Equipo Crónica), which existed in Valencia between 1964 and 1981, formed by the artists Manolo Valdés and Rafael Solbes. Their movement can be characterized as Pop because of its use of comics and publicity images and its simplification of images and photographic compositions. Filmmaker Pedro Almodovar emerged from Madrid's "La Movida" subculture (1970s) making low budget super 8 pop art movies and was subsequently called the Andy Warhol of Spain by the media at the time. In the book "Almodovar on Almodovar" he is quoted saying that the 1950s film "Funny Face" is a central inspiration for his work. One Pop trademark in Almodovar's films is that he always produces a fake commercial to be inserted into a scene.
Pop art in Japan is unique and identifiable as Japanese because of the regular subjects and styles. Many Japanese pop artists take inspiration largely from anime, and sometimes ukiyo-e and traditional Japanese art. The best-known pop artist currently in Japan is Takashi Murakami, whose group of artists, Kaikai Kiki, is world-renowned for their own mass-produced but highly abstract and unique superflat art movement, a surrealist, post-modern movement whose inspiration comes mainly from anime and Japanese street culture, is mostly aimed at youth in Japan, and has made a large cultural impact. Some artists in Japan, likeYoshitomo Nara, are famous for their graffiti-inspired art, and some, such as Murakami, are famous for mass-produced plastic or polymer figurines. Many pop artists in Japan use surreal or obscene, shocking images in their art, taken from Japanese hentai. This element of the art catches the eye of viewers young and old, and is extremely thought-provoking, but is not taken as offensive in Japan. A common metaphor used in Japanese pop art is the innocence and vulnerability of children and youth. Artists like Nara and Aya Takano use children as a subject in almost all of their art. While Nara creates scenes of anger or rebellion through children, Takano communicates the innocence of children by portraying nude girls.
In Italy, Pop Art was known from 1964, and took place in different forms, such as the "Scuola di Piazza del Popolo" in Rome, with artists such as Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa and also some artworks by Piero Manzoni, Lucio Del Pezzo and Mimmo Rotella.
Italian Pop Art originated in ‘50s culture, to be precise in the works of two artists: Enrico Baj and Mimmo Rotella, who have every right to be considered the forerunners of this scene. In fact, it was around 1958-59 that Baj and Rotella abandoned their previous careers – which might be generically defined as a non-representational genre despite being run through with post-Dadaism – to catapult themselves into a new world of images and the reflections on them which was springing up all around them. Mimmo Rotella’s torn posters gained an ever more figurative taste, often explicitly and deliberately referring to the great icons of the times. Enrico Baj’s compositions were steeped in contemporary kitsch, which was to turn out to be a gold mine of images and stimuli for an entire generation of artists.
The novelty lies in the new visual panorama, both inside the four domestic walls and out: cars, road signs, television, all the "new world." Everything can belong to the world of art, which itself is new. In this respect, Italian Pop Art takes the same ideological path as that of the International scene; the only thing that changes is the iconography and, in some cases, the presence of a more critical attitude to it. Even in this case, the prototypes can be traced back to the works of Rotella and Baj, both far from neutral in their relationship with society. Yet this is not an exclusive element; there is a long line of artists, from Gianni Ruffi toRoberto Barni, from Silvio Pasotti to Umberto Bignardi and Claudio Cintoli who take on reality as a toy, as a great pool of imagery from which to draw material with disenchantment and frivolity, questioning the traditional linguistic role models with a renewed spirit of “let me have fun” à la Aldo Palazzeschi.[24]
While in the Netherlands there was no formal Pop Art movement, there was a group of artists who spent time in New York during the early years of Pop Art and drew inspiration from the international Pop Art movement. Key representatives of Dutch Pop Art are Gustave Asselbergs, Woody van Aamen, Daan van Golden, Rik Bentley, Jan Cremer, Wim T. Schippers and Jacques Frenken. They had in common that they opposed the Dutch petit bourgeois mentality by creating humorous works with a serious undertone. Examples include Sex O'Clock by Woody van Amen and Crucifix / Target by Jacques Frenken.
Die Besetzung von Rockgruppen besteht traditionell aus elektrischen oder akustischen Gitarren, E-Bass, Schlagzeug undGesang. Diese Besetzung wird oft durch Klavier und Keyboards wie Hammond-Orgel und Synthesizer ergänzt. Je nach Richtung werden auch Bläser eingesetzt.
Die Rockmusik geht auf den Rock ’n’ Roll zurück, der seinerseits aus der Verbindung von Countrymusik und Rhythm & Bluesentstand. Bill Haleys Schallplatte „Rock Around the Clock“ vom 12. April 1954 verhalf dem Rock ’n’ Roll international zum Durchbruch. „Rock Around the Clock“ und viele andere Rock-’n’-Roll-Lieder der 1950er Jahre waren dem afroamerikanischenRhythm and Blues stilistisch sehr ähnlich. Bekannteste Vertreter des Rock ’n’ Roll in den 1950er Jahren waren Elvis Presley, Bill Haley, Chuck Berry, James Brown, Jerry Lee Lewis, Little Richard und Buddy Holly.
Die Rockmusik als eigenständige Musikform unterscheidet sich vom Rock ’n’ Roll wesentlich durch den Rhythmus: Im Rock werden die Achtelnoten binär gespielt, also „gerade“, so wie man es aus der lateinamerikanischen und europäischen Musik kennt. Im Rock ’n’ Roll werden die Achtelnoten zwischen den Beats (zwischen den Viertelnoten) hingegen leicht nach hinten verschoben, so dass ein ternärer Rhythmus entsteht (Shuffle), wie man ihn aus dem klassischen Jazz kennt.
Der Rock ’n’ Roll wurde in den 1960er Jahren in England stilistisch verändert. Zwei der wichtigsten Wegbereiter des Rock dieser Periode sind The Beatles und The Rolling Stones. Hier ist auch schon die erste Genre-Aufsplitterung zu beobachten, die später charakteristisch für die Rock-Szene werden sollte: Auf der einen Seite standen die Beatles mit ihrer Beatmusik, die in Anzügen mit Krawatte auftraten und eher zu melodischen, harmoniegeprägten Songs neigten, und auf der anderen Seite die Rolling Stones, die durch einen eher rauen Sound auffielen. Die Zeitschrift Rolling Stone bezeichnet den Titel „(I Can’t Get No) Satisfaction“ der Rolling Stones als die eigentliche Geburtsstunde des Rock.
Durch das Auftreten von Cream als auch The Jimi Hendrix Experience im Jahre 1966 begann die Phase der technisch anspruchsvolleren Themen in der Rockmusik Einzug zu halten. Cream etablierte in dieser Zeit unter anderem ausgelassene Improvisationen innerhalb der Rockmusik und beeinflusste diese seither nachhaltig, u. a. Bands wie Led Zeppelin, Deep Purple,Jeff Beck Group.
Wie beinahe alle neuen Musikrichtungen war auch die Rockmusik in ihrer Anfangszeit stark umstritten. Das Auftreten der Protagonisten mit langen Haaren und obszöner, lauter Musik galt als skandalös. Einzelne Vertreter des Establishmentsversuchten, die Szene in eine satanistische Ecke zu drängen. Doch gerade diese Ablehnung trug wahrscheinlich wesentlich dazu bei, der Rockszene den Status des Rebellischen und Revolutionären zu geben, den sie bis in die 1970er Jahre behalten sollte und der seinen Höhepunkt in der Friedensbewegung gegen den Vietnamkrieg fand. Rockmusik und Hippie-Szene sind hier fest miteinander verbunden. Dies führte zur Folk-orientierten Rockmusik, wie sie z.B. von Crosby, Stills & Nash (& Young) undCreedence Clearwater Revival gespielt wurde. Eine gute Darstellung der damaligen Verhältnisse findet sich im Musical Hair, das vom Widerstand junger Amerikaner aus dem Umfeld der Hippie-Szene gegen den Vietnamkrieg handelt.
Parallel zu den friedensorientierten Hippies bestand eine Szene eher gewaltbereiter Rocker. Bekannt geworden ist hier vor allem das Umfeld der Hells Angels, eine gewaltsuchende, ursprünglich amerikanische Motorrad-Gang, die bald international zahlreiche Ableger fand und dem Image des Rock nachhaltig schadete.
Die Zahl der erfolgreichen Rockmusiker stieg Ende der 1960er Jahre rasant an. Das führte zwangsläufig zu einer immer stärkeren Aufsplitterung der Szene in eine Vielzahl von Untergenres, eine Entwicklung, die dazu führte, dass bald jede Band mit einem individuellen Klangbild sofort ein eignes Genre für sich beanspruchte. Dieser Vorgang wurde von der Musikindustrie gefördert, die aus marketingtechnischen Gründen daran Interesse hatte.
Abseits von der Hippie-Szene entwickelten sich aus der ebenfalls in diesem Jahrzehnt aufblühenden Experimentalmusik wie bspw. den Klangexperimenten der Gruppe The Velvet Underground bereits die ersten Punkbands, die ihre Hochzeit in den 1970er Jahren haben sollten.
Die beiden Hauptrichtungen der 1970er Jahre sind zum einen ein eher künstlerischer Ansatz, der sich in den Genres Artrock,Glam Rock (vor allem Slade, The Sweet und T. Rex), Progressive Rock und dem aus der Szene erwachsenen Pop manifestiert. Wichtige Vertreter waren Pink Floyd, Genesis, Emerson, Lake and Palmer, Queen, David Bowie, Elton John und Roxy Music. Auf der anderen Seite existierte die noch rebellischere Szene, die auch zum Teil als Gegenbewegung zu dem als zu friedfertig verlachten Hippietum entstand. Dazu gehören die gesamte Punk-Bewegung, die Heavy-Metal-Szene und der Hard Rock. Diese Richtungen schafften es auch weiterhin, zu provozieren und zu skandalisieren, während die oben genannten Stile mitunter gesellschaftlich akzeptiert wurden. Dies zeigt sich unter anderem an den großen kommerziellen Erfolgen, die zum Beispiel die Band Genesis zu dieser Zeit hatte. Wichtige Vertreter der härteren Stilrichtungen dieser Zeit sind die Sex Pistols, Black Sabbath,Kiss, AC/DC oder die Ramones. Es gab aber auch viele Interpreten zwischen diesen beiden Polen; Beispiele hierfür sind Status Quo, Led Zeppelin, Deep Purple, Nazareth, Patti Smith oder Aerosmith, die zu dieser Zeit noch sehr viel Bluesrock spielten.
In die Rockmusik flossen auch Elemente einer Vielzahl anderer Musikrichtungen wie Jazz, Reggae oder Soul ein. Diese Stilrichtungen nahmen auch viele Aspekte der Rockmusik auf und veränderten sich stark. Als Beispiel für diese Vorgänge ist das Schaffen von Michael Jackson zu nennen, der mit seinen Wurzeln in der „Black Music“ eine sehr erfolgreiche Verbindung mit dem Rock einging. Außerdem ist eine fortschreitende Digitalisierung der Musikproduktion zu beobachten. Zum einen lag das an Bands wie Pink Floyd, die in ihrem Drang zum Perfektionismus sehr viel Engagement für die Produktion ihrer Platten zeigten, aber auch an Avantgardisten des Krautrock wie Can oder vor allem Kraftwerk, die mit ihrer experimentellen Musik den Grundstein für ein Genre jenseits des Rock legten: die Elektronische Popmusik.
In den 1980ern machten so genannte „Pop-Metal“-Bands von sich reden, wie beispielsweise Aerosmith, Motorhead, Van Halen, Scorpions, Bon Jovi, Def Leppard oder Europe. Diese Bands konnten in diesen Jahren große Erfolge verbuchen. Von allen großen Bands dieser Zeit konnten sich nur Bon Jovi ihre Fangemeinde erhalten, die auch heute noch sehr erfolgreich sind und deren Musik sich Ende der 80er Jahre stilistisch vom Metal zum Stadion Rock entwickelte.
Nach dem Abebben der kreativen Hochphase des Punks entstand, teilweise auch aus Abgrenzung zu selbigem, zunächst derPost Punk, der Gruppen wie Joy Division und The Cure hervorbrachte, und eng damit verbunden die sogenannte New Wave. Stilistisch ging es hier nach der Opulenz der 70er oftmals in eine kühlere, reduziertere Richtung. Dunkle, monotone Gesangsstimmen kamen in Mode. Auch wurde zunehmend, inspiriert vor allem von den Experimenten Kraftwerks, mit synthetischen Klangerzeugern gearbeitet, was einen Grundstein für die Entwicklung des Synthpop und der gesamtenElektronischen Tanzmusik legte.
Der Unterschied zwischen Pop und Rock wurde in der Folge dann in den 1980er Jahren sehr forciert, vor allem durch die Independent-Szene, die sich in der Tradition des Punk sah und sich von dem Mainstream der Musikindustrie abzusetzen versuchte. Hier entstand eine vielfältige und große Szene mit vielen Untergenres, die später im Laufe der 1990er Jahre inAlternative überging. Auch der Heavy Metal erlebte eine Hoch-Zeit durch Gruppen wie Iron Maiden, Motörhead oder Metallica, während der sich eine Vielzahl von Subgenres bildeten. An der Schnittstelle zwischen Rock und Pop entstanden viele Bands, die zu den populärsten und kommerziell erfolgreichsten des Jahrzehnts gehörten, zum Beispiel Big Country, Simple Minds, U2,R.E.M. oder The Cure.
Anfang der 1990er Jahre erlebte die Rockmusik dann einen unerwarteten Schub durch den Erfolg der US-Grunge-Band Nirvana, die nach dem Experimentieren und Digitalisieren der 1980er wieder musikalisch simplere Musik spielte und die gesamte Alternative-Szene der 1990er nachhaltig prägte. Im Zuge der Popularisierung des Grunge erzielten auch Bands wie Soundgarden,Pearl Jam oder die Smashing Pumpkins große kommerzielle Erfolge. Mit dem Tod des Nirvana-Sängers Kurt Cobain verlor der Grunge enorm an Popularität und wurde wieder zu einem Underground-Genre.
Aber auch Guns N' Roses konnte Anfang 1990 mit ihrer Use Your Illusion Tour weltweit für Aufsehen sorgen und gehörten somit zu den wenigen Rockbands, die trotz des massiven Einfluss des Grunge in den 1990ern, enorme Erfolge verbuchen konnte.
Zu Beginn des Jahrzehnts traten auch erste Crossover-Bands in Erscheinung. Rage Against the Machine, Incubus und vor allem die Red Hot Chili Peppers erlangten große Popularität. Skatepunk popularisierte Bezüge zwischen Musik und Trend- und Extremsportarten sowie deren Life Style.
1994 entstand eine Neopunk-Welle, die durch Alben wie Green Days Dookie ausgelöst wurde. In diesem Zusammenhang wurden auch Bands wie NOFX, Rancid, Bad Religion oder The Offspring einer breiteren Masse bekannt.
Mitte der 1990er Jahre brach schließlich der Britpop die Dominanz des US-amerikanischen Grunge und Alternative Rock. Jungen britischen Bands diente die britische Pop- und Rockmusik der 1960- und 1970-Jahre, vermengt mit Elementen des Madchester, des Shoegazing, aber auch des Alternative Rock, als Inspirationsquelle. Blur, Pulp, The Verve und Oasis beeinflussten so nachhaltig die Rockmusik des ausgehenden Jahrzehnts.
Das Fusionieren und Experimentieren trat dann erst wieder zum Ende des Jahrzehnts in den Vordergrund durch Interpreten, die Elemente aus der zu dieser Zeit Erfolge feiernden elektronischen Musik adaptierten, wie zum Beispiel Radiohead, Blur oder auchNine Inch Nails. 1996 erschien das erste Album der britischen Band Placebo. Sie machten mit ihrer düsteren Mischung aus Britpop und Alternative Rock nachhaltig auf sich aufmerksam.
Das neue Jahrtausend wurde durch eine um sich greifende Retrowelle geprägt. Bands wie The Strokes, Kings of Leon, The Subways, Mando Diao, Wolfmother, The White Stripes und Franz Ferdinand griffen auf typische Elemente früherer Jahrzehnte zurück und transportierten sie erneut in die Musik-Charts; The Hives und The Libertines stehen auf den Schultern alter Punkgrößen und die Bright Eyes weisen große Gemeinsamkeiten mit Bob Dylan auf.
Das Punk-Revival der 1990er konnte sich mit Bands wie Blink-182, Sum41 und Simple Plan noch lange fortsetzen.
Zu Beginn des Jahrzehnts konnten vor allem in Amerika Crossover-Bands wie Linkin Park, Limp Bizkit oder Crazy Town mit der Verbindung von Metal- und Hip-Hop-Elementen auf sich aufmerksam machen. Zusammen mit Bands wie System of a Down,Slipknot, Papa Roach und Korn, die den Metal stilistisch weiterentwickelten, bilden diese das Genre Nu Metal. Arcade Firebelebte mit einer großen instrumentalen Breite das Genre des Artrocks.
In Großbritannien dominierten ab Mitte des Jahrzehnts vor allem Indie-Bands wie Arctic Monkeys, Maximo Park, The Fratellis,Bloc Party und The Kooks. Diese Bands stehen klar in der Tradition der britischen Bands der 1990er. Die alten Bands des Britpop Oasis und Radiohead veröffentlichten in den 2000er Jahren ebenfalls Alben. Bands wie Archive oder Animal Collectivedrangen eher aus elektronischen Genren in die Rockmusik ein. Ebenso konnten Muse mit ihrer Verbindung aus Elektronic, Alternative-, Hard- und Progressive Rock (New Prog) das ganze Jahrzehnt große Erfolge verbuchen.
Außerdem konnten Hardcore/Metal-Bands wie Jimmy Eat World, Billy Talent, Bullet for My Valentine und Enter ShikariCharterfolge verbuchen. Eine sehr poppige Variante dieses Genres ist die Band Tokio Hotel, die auch international eine der erfolgreichsten deutschen Bands des Jahrzehnts werden sollte. Im deutschsprachigen Raum verbanden vor allem Bands aus Hamburg wie Kettcar, Tomte und Tocotronic Indie-Rock und Indie-Pop in einer Weiterentwicklung der Hamburger Schule.
Schon in den letzten Jahren vor 2010 stieg die Bedeutsamkeit elektronischer Klänge und Synthesizer in der Rockmusik wieder. Elektronische Einflüsse waren so auch in der Entwicklung von Bands zu hören, die wie die Arctic Monkeys oder Franz Ferdinand anfangs (noch) zum Post-Punk revival gezählt wurden. Erkannbar wurde sie später auch bei den Strokes. Indie-Rock bewegte sich damit generell vom Garagencharakter hin zu progressiverer Musik. Bands wie Foals, Klaxons oder Vampire Weekend trugen mit ihrer Form des Indie-Rock zu diesem Trend bei. Ebenfalls größeren unmittelbaren Einfluss bekommt die Neue Musik, etwa bei These New Puritans oder den Wild Beasts zu hören.
Die Rock-und Roll-Lifestyle wurde im Volksmund mit Sex und die damit verbundenen Medikamente . Viele der Rock and Roll der frühen Sterne (sowie deren Jazz- und Blues- Kollegen) wurden als schwer trinkenden, hart-living-Zeichen bezeichnet. In den 1960er Jahren den Lebensstil vieler Stars immer mehr öffentlich bekannt, unterstützt durch das Wachstum der unterirdischen Felsen drücken. Musiker schon immer die Aufmerksamkeit von "angezogen Groupies "(Mädchen, die Musiker folgen), die Zeit mit verbracht und oft habe sexuelle Gefälligkeiten für Band-Mitglieder.
Drogen waren oft einen großen Teil der Rockmusik Lebensstil. In den 1960er Jahren, psychedelische Musik entstanden, einige Musiker gefördert und soll Hörer von psychedelischer Musik unter dem Einfluss der sein LSD oder andere Halluzinogene wie Erweiterungen, um das Hörerlebnis. Jerry Garcia von der Rockband Grateful Dead sagte: "Für manche Menschen unter LSD und werde Grateful Dead zeigen Funktionen wie eine rite de passage .... wir haben noch ein Produkt zu verkaufen;. aber wir haben einen Mechanismus, der funktioniert "[ Zitat benötigt ]
Die Popularität und die Förderung der Drogenkonsum in der Freizeit von Musikern kann Gebrauch von Drogen und die Wahrnehmung der Akzeptanz des Drogenkonsums in der Jugend der damaligen Zeit beeinflusst haben. Als die Beatles, die einst als clean-cut Jugendliche vermarktet, öffentlich anzuerkennen Verwendung begann LSD , folgten viele Fans. Journalist Al Aronowitz schrieb: "... was die Beatles taten, war akzeptabel, vor allem für junge Leute."
In den späten 1960er und frühen 1970er Jahren ein Großteil der Rock and Roll Gütesiegel mit dem Drogenkonsum abgeleitet, wie Rockmusik erlitt eine Reihe von drogenbedingten Todesfälle, einschließlich der zugehörigen 27 Club -Mitglied Tod von Jimi Hendrix , Janis Joplin und Jim Morrison . Obwohl ein gewisses Maß an Drogenkonsum blieb unter Rockmusikern gemeinsam wurde eine größere Achtung der Gefahren des Drogenkonsums zu beobachten, und viele Anti-Drogen-Songs wurde ein Teil des Felsens Lexikon, vor allem " The Needle und den Damage Done "von Neil Young ( 1972).
Viele Rock-Musikern, darunter Lemmy , John Lennon , Paul McCartney , Bob Dylan , Buffy Sainte Marie , Jerry Garcia , Stevie Nicks , Jimmy Page , Keith Richards , Eric Clapton , Pete Townshend , Brian Wilson , Carl Wilson , Dennis Wilson , Steven Tyler , Scott Weiland , Sly Stone , Madonna , Ozzy Osbourne , Mötley Crüe , Layne Staley , Kurt Cobain , Courtney Love ,Anthony Kiedis , Dave Mustaine , David Bowie , Elton John , und andere, haben erkannt, kämpft Süchte zu vielen Substanzen, darunter Kokain und Heroin ; viele von ihnen haben erfolgreich durchlaufen Drogenentzug Programme, aber andere sind gestorben. In den frühen 1980er Jahren, zusammen mit dem Aufstieg der Band Minor Threat , die gerade Kante wurde Lebensstil beliebt. Die Straight Edge Gedanken der Abstinenz von Drogen, Alkohol, Tabak und Sex wurde im Zusammenhang mit Hardcore-Punk- Musik über die Jahre, und beide bleiben beliebt bei Jugendlichen heute. [ Zitieren benötigt ]
Rock-Musik und Mode wurden untrennbar miteinander verbunden. Das harte, Leder gekleidete Bild der frühen Rocker wie Gene Vincent beeinflusst eine ganze Generation von jungen Menschen auf beiden Seiten des Ozeans. Ein kultureller Krieg brach in der Mitte der 1960er Jahre in Großbritannien über die Rivalität zwischen den "Mods" (der High-Fashion favorisiert, teuer Stile) und die "Rockers" (die T-Shirts und Leder trug); Anhänger jeder Art hatten ihre favorisierte Musik-Acts, die sich eifrig in den Konflikt durch die Freigabe Aufzeichnungen lobt einen Stil und Verunglimpfung einer anderen (die Mods gegen Rocker Kontroverse hätte die Kulisse für Form zugeführt The Who 's Rock-Oper Quadrophenia ). In den 1960er Jahren, The Beatles brachten mop-top Haarschnitte, ohne Kragen Blazer und Beatle Boots in Mode.
Rock-Musiker waren die ersten Anwender von Hippie- Mode und eingeführt Stilen wie die Nehru-Jacke ; Bands wie die Beatles hatten maßgeschneiderte Kleidung, die viel von 1960er-Stil beeinflusst. Als Rock-Musik-Genres wurde stärker segmentiert, was ein Künstler trugen wurde ebenso wichtig wie die Musik selbst in der Definition des Künstlers Absicht und Beziehung zum Publikum. Die Glam Rock der 1970er Jahre brachte Mode zu neuen Höhen von Bedeutung in der Rockmusik mit dem "Glitter"-Bild von Künstlern wie T. Rex und Alice Cooper zu weit einflussreich. Einige Künstler, die aktiv in den späten 1960er Jahren, wie war David Bowie ,Lou Reed und Iggy Pop hat auch eine Glam-Look geprägt. In den späten 1970er Jahren, Disco geholfen Handlungen bringen flashy Urban Styles in den Mainstream, während New Wave -Gruppen begannen das Tragen Mock-konservative Kleidung (einschließlich Sakkos und skinny ties) in einem Versuch, wie im Gegensatz zu Mainstream-Rocker (die noch begünstigt werdenblaue Jeans und Kleidung Hippie-Einfluss) wie möglich.
In den frühen 1990er Jahren brachte die Popularität des Grunge in einer Weise von seinen eigenen. Grunge Musiker und Fans trug zerrissene Jeans, alte Schuhe, Flanellhemden, rückwärts Baseballkappen und wuchs ihre Haare gegen die klaren Bild, das damals gängigen sowie stark kommerzialisiert wurde Popmusik Kultur. Musiker weiterhin Mode-Ikonen werden, die Pop-Kultur Zeitschriften wie Rolling Stone oft auch Mode-Layouts mit Musikern wie Modelle .
Rock-Musiker und Fans haben immer wieder mit dem Paradox der "kämpfte Ausverkauf "- um als" authentisch "sein, muss Rockmusik einen gewissen Abstand von der zu halten kommerziellen Welt und ihre Konstrukte; [ Klärungsbedarf ] aber es wird allgemein angenommen, dass bestimmte Kompromisse muss, um erfolgreich zu werden und die Musik der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Dieses Dilemma hat die Reibung zwischen Musikern und Fans erstellt, mit einigen Bands gehen auf große Längen, um das Aussehen von "Ausverkauf" (während noch Wege zu finden, ein lukratives Lebensunterhalt zu verdienen) zu vermeiden. In einigen Arten von Gestein, wie Punk und Heavy Metal, ein Darsteller, die glaubten, "ausverkauft" haben sich kommerzielle Interessen ist, kann mit dem abwertenden Begriff "gekennzeichnet werden poseur ".
Wenn ein Darsteller zuerst kommt, um die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit mit einem Stil, kann jeder weitere stilistische Entwicklung als Ausverkauf an langjährige Fans zu sehen. Auf der anderen Seite, können Manager und Produzenten zunehmend mehr Kontrolle des Künstlers, wie dies zum Beispiel in schnellen Übergang von Elvis Presley in Arten von "The Hillbilly Cat" auf "Ihr Teddybär". Es kann schwierig sein, den Unterschied zwischen der Suche nach einem breiteren Publikum und den Ausverkauf zu definieren. Ray Charles hinterließ seine klassische Formulierung des Rhythm and Blues zu singenCountry-Musik , Pop-Songs und Soft-Drink-Werbespots. In dem Prozess ging er von einem Nischen-Publikum zu Weltruhm. Am Ende ist es ein moralisches Urteil vom Künstler, das Management und das Publikum gemacht.
Liebe und Frieden waren sehr häufig Themen in der Rockmusik in den 1960er und 1970er Jahren. Rockmusiker haben oft versucht, soziale Fragen direkt als Kommentar oder als Aufruf zum Handeln Adresse. Während des Vietnam-Krieges das erste Rock- Protestsongs zu hören waren, inspiriert von den Liedern der Folk-Musiker wie Woody Guthrie und Bob Dylan , die von der abstrakten Beschwörungen von Frieden reichte Peter, Paul and Mary 's " Wenn ich einen Hammer hatte ", um stumpfe Anti-Establishment-Tiraden Crosby, Stills, Nash & Young "s" Ohio ". Andere Musiker, vor allem John Lennon und Yoko Ono wurden lautstark ihre Anti-Kriegs-Stimmung sowohl in ihrer Musik und in öffentlichen Erklärungen.
Berühmte Rockmusiker haben Ursachen reichen von der Umwelt (angenommen Marvin Gaye "s" Mercy Mercy Me (The Ecology)"und der Anti-Apartheid-Bewegung ( Peter Gabriel 's " Biko "), die Gewalt in Nordirland ( U2 's " Sunday Bloody Sunday ") und weltweit Wirtschaftspolitik ( The Dead Kennedys " Kill the Schlechte "). Ein weiterer bemerkenswerter Protest-Song ist Patti Smith 's recording " Die Menschen haben die Macht . "Anlässlich dieses Engagement wäre die über einfache Songwriting gehen und die Form von manchmal-spektakuläre Konzerte oder TV-Ereignisse, die oft Geld für Nächstenliebe und das Bewusstsein für globale Fragen.
Rock and Roll, wie soziales Engagement erreicht einen Meilenstein in der Live Aid Konzerte, statt 13. Juli 1985, das ein Auswuchs des 1984 Charity waren Single " Do They Know It ist Weihnachten? " und wurde der größte Musikkonzert in der Geschichte mit Künstlern auf zwei Bühnen, einer in London, England und die anderen in Philadelphia , USA (plus einige andere Acts in anderen Ländern) und im Fernsehen weltweit. Das Konzert dauerte 16 Stunden und featured fast jeder, der an der Spitze der Rock-und Popmusik im Jahr 1985. Das Charity-Ereignis ausgelöst Millionen Dollar für die Hungerhilfe in Afrika. Live Aid wurde zu einem Vorbild für viele andere Fundraising-und Sensibilisierungsmaßnahmen Bemühungen, einschließlich der Farm AidKonzerte für die bäuerliche Landwirtschaft in Nordamerika und Fernsehauftritte profitieren Opfer der Anschläge des 11. September. Live Aid sich im Jahr 2005 wurde mit dem reprised Live 8 Konzert, das Bewusstsein für globale Wirtschaftspolitik zu erhöhen.Umweltthemen haben auch ein gemeinsames Thema, ein Beispiel dafür war Live Earth .
Songwriter wie Pete Townshend haben diese erforscht spirituelle Aspekte in ihre Arbeit. Die gemeinsame Verwendung des Begriffs "Rock-Gott", räumt die religiöse Qualität der Lobhudelei einige Rockstars empfangen. John Lennon wurde berüchtigten für eine Aussage, die er im Jahre 1966 gemacht, dass die Beatles seien "größer als Jesus ". [1] Doch er später sagte, dass diese Aussage falsch verstanden wurde und nicht sollen sein anti-christliche . [2]
Iron Maiden , Ozzy Osbourne , King Diamond , Alice Cooper , Led Zeppelin , Marilyn Manson , Slayer und viele andere haben auch als Satanisten, beschuldigt worden, unmoralisch oder sonst mit einer " bösen "Einfluss auf ihre Zuhörer. Anti-religiösen Gefühle erscheinen auch in Punk und Hardcore. Es gibt das Beispiel der Song " "Filler "von Minor Threat , den Namen und die berühmte Logo der Band Bad Religion und Kritik des Christentums und aller Religionen ist ein wichtiges Thema in Anarcho-Punk/ Crust Punk .
Christian Stein , Alternative Rock , Metal , Punk und Hardcore , sind spezifische, identifizierbare Genres der Rockmusik mit starken christlichen Untertönen und Einfluss. [ Zitieren benötigt ] Viele Gruppen und Einzelpersonen, die nicht als christliche Rock-Künstler werden müssen religiöse Überzeugungen sich. Zum Beispiel The Edge und Bono von U2 sind ein Methodist und einemanglikanischen bzw., und Brandon Flowers von The Killers ist ein Latter Day Saint . [ Zitieren benötigt ]
Doch eine kleine Handvoll von konservativen Christen einzigen die Musikrichtungen von Hip-Hop und Rock sowie Blues- und Jazzals mit Dschungel schlägt , oder Dschungel Musik, und behaupten, dass es ein Schlag oder musikalischen Stil, der von Natur aus böse, unmoralisch ist, und / oder sinnlich. So, nach ihnen ist jeder Song in der Rap, Hip Hop und Rock Genres von Natur aus böse, weil der Song musikalisch schlagen, unabhängig von der Liedtext oder eine Nachricht. Ein paar noch erweitern diese Analyse auch auf christlichen Rock Songs. [3]
Christlich-konservative Schriftsteller David Noebel ist einer der wichtigsten Befürworter der Existenz von jungle beats. In seinen Schriften und Reden gehalten Noebel, dass die Verwendung solcher Schläge in der Musik sei ein kommunistischerVerschwörung, um die Moral der Jugend der unterwandern Vereinigten Staaten . [4] Papst Benedikt XVI erklärt seinen Glauben, nach dem British Broadcasting Corporation , die "'Rock ... ist der Ausdruck der elementaren Leidenschaften, und bei Rock-Festivals nimmt sie eine manchmal kultischen Charakter, eine Form des Gottesdienstes in der Tat, im Gegensatz zu christlichen Gottesdienstes."
Das neue Jahrtausend wurde durch eine um sich greifende Retrowelle geprägt. Bands wie The Strokes, Kings of Leon, The Subways, Mando Diao, Wolfmother, The White Stripes und Franz Ferdinand griffen auf typische Elemente früherer Jahrzehnte zurück und transportierten sie erneut in die Musik-Charts; The Hives und The Libertines stehen auf den Schultern alter Punkgrößen und die Bright Eyes weisen große Gemeinsamkeiten mit Bob Dylan auf.
Das Punk-Revival der 1990er konnte sich mit Bands wie Blink-182, Sum41 und Simple Plan noch lange fortsetzen.
Zu Beginn des Jahrzehnts konnten vor allem in Amerika Crossover-Bands wie Linkin Park, Limp Bizkit oder Crazy Town mit der Verbindung von Metal- und Hip-Hop-Elementen auf sich aufmerksam machen. Zusammen mit Bands wie System of a Down, Slipknot, Papa Roach und Korn, die den Metal stilistisch weiterentwickelten, bilden diese das Genre Nu Metal. Arcade Fire belebte mit einer großen instrumentalen Breite das Genre des Artrocks.
In Großbritannien dominierten ab Mitte des Jahrzehnts vor allem Indie-Bands wie Arctic Monkeys, Maximo Park, The Fratellis, Bloc Party und The Kooks. Diese Bands stehen klar in der Tradition der britischen Bands der 1990er. Die alten Bands des Britpop Oasis und Radiohead veröffentlichten in den 2000er Jahren ebenfalls Alben. Bands wie Archive oder Animal Collective drangen eher aus elektronischen Genren in die Rockmusik ein. Ebenso konnten Muse mit ihrer Verbindung aus Elektronic, Alternative-, Hard- und Progressive Rock (New Prog) das ganze Jahrzehnt große Erfolge verbuchen.
Außerdem konnten Hardcore/Metal-Bands wie Jimmy Eat World, Billy Talent, Bullet for My Valentine und Enter Shikari Charterfolge verbuchen. Eine sehr poppige Variante dieses Genres ist die Band Tokio Hotel, die auch international eine der erfolgreichsten deutschen Bands des Jahrzehnts werden sollte. Im deutschsprachigen Raum verbanden vor allem Bands aus Hamburg wie Kettcar, Tomte und Tocotronic Indie-Rock und Indie-Pop in einer Weiterentwicklung der Hamburger Schule.
Pop Art
Pop Art ist eine Kunstrichtung, vor allem in der Malerei und Skulptur, die Mitte der 1950er Jahre unabhängig voneinander in England und den USA entstand, und in den 1960er Jahren zu einer vorherrschenden künstlerischen Ausdrucksform Nordamerikas und Europas wurde.
Die Motive sind häufig der Alltagskultur, der Welt des Konsums, den Massenmedien und der Werbung entnommen, während die Darstellung in fotorealistischer und meist überdimensionierter Abbildung erfolgt.
Pop Art – die Bezeichnung wird dem englischen Kunstkritiker Lawrence Alloway zugeschrieben[1] – wird häufig als Reaktion auf die betont intellektuelle abstrakte Kunstcharakterisiert, und wendet sich dem Trivialen zu. Der Popkünstler fordert die absolute Realität, das heißt, dass alle Elemente rein, klar definierbare Gegenstands-Elemente sein müssen. Die Formen werden bei einigen Künstlern wie in Comic-Heften mit schwarzen Linien umrandet (Outlines). Oft sind die dargestellten Gegenstände wie in einem Plakat ohne Tiefe, also flächig gestaltet. Die Farben sind immer klar, es werden meistens nur die unbunten und Primärfarben angewendet.
Banale Gegenstände des Alltags werden isoliert und entweder allein oder in Collagen der wie bei Wolf Vostell in Dé-coll/agen oder bei KP Brehmer in seinen Trivialgrafiken verfremdet und verarbeitet. Pop Art ist eine Verknüpfung von Realität und Kunst, die mit eigenen abstrakten Mitteln arbeitet.
Innerhalb der Pop Art kann man zwei verschiedene Grundhaltungen ausmachen: Zum einen eine anfängliche Begeisterung für den nach dem Zweiten Weltkrieg(wieder)erlangten Wohlstand und die damit verbundene Konsumgesellschaft, zum anderen eine spätere kritische Haltung. Diese ist auf Geschehnisse wie denVietnamkrieg, die Ermordung John F. Kennedys, Rassenunruhen und den steigenden Drogenkonsum in den USA in den 1960er Jahren zurückzuführen, da sie die Verwundbarkeit dieser scheinbar perfekten kalkulierten Wohlstandsgesellschaft aufzeigten.
Von vielen Kunsthistorikern und Kritikern wird Richard Hamilton als Begründer der Pop Art bezeichnet. Sein Werk Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? von 1956 (Collage, heute: Kunsthalle Tübingen) gilt als erstes Werk der Pop Art, das alle typischen Ingredienzien enthielt. Die Arbeit wurde als Motiv für das Plakat zur Ausstellung This is Tomorrow genutzt, die 1956 in der Whitechapel Art Gallery in London stattfand.[2] Diese Ausstellung war das letzte gemeinsame Ereignis der Independent Group, ein von befreundeten Künstlern gebildeter Kreis, der das Phänomen der Massenmedien und ihre Beziehung zur zeitgenössischen Kunst diskutierten. Gleichzeitig wollte der Kreis einer interessierten Öffentlichkeit neue Themen in ungewöhnlicher Präsentationsform nahe bringen.
Eduardo Paolozzi, Peter Blake, David Hockney, Allen Jones, R. B. Kitaj sowie Pauline Boty[3] waren die weiteren wichtigsten Künstler der englischen Pop Art.
In den Vereinigten Staaten wurde Pop Art als bewusste Abkehr von der Malerei des abstrakten Expressionismus verstanden. Aufgrund der künstlerischen Tradition der USA war die Pop Art hier direkter und weniger theoretisch ausgerichtet als in Europa. Ein wichtiger Wegbereiter war Richard Lindner. Sehr bekannt sind die Flaggen-Bilder von Jasper Johnsund die Materialobjekte von Robert Rauschenberg, die als Vorläufer der Pop Art gelten, ohne selbst dieser Stilrichtung anzugehören. Zur genuinen Pop Art zählen die Siebdruckevon Andy Warhol und die Comic-Bilder von Roy Lichtenstein, die Gegenstands-Nachbildungen aus weichen Materialien von Claes Oldenburg und Coosje van Bruggen, die großformatigen Bilder von James Rosenquist, die Love-Skulpturen von Robert Indiana und die antiseptischen Badezimmer-Szenen von Tom Wesselmann. Mit der Ausstellung New Painting of Common Objects zeigte Walter Hopps 1962 in Pasadena im Pasadena Museum of Art die erste Übersicht über die neue amerikanische Pop Art in einem Museum.
In Europa wurde die amerikanische Pop Art erstmals 1964 in den Ausstellungen Amerikansk pop-konst im Moderna Museet Stockholm, Kopenhagen und Amsterdam und Neue Realisten & Pop Art im Gemeentemuseum Den Haag, Wien, Berlin und Brüssel gezeigt, in größerem Umfang 1968 auf der 4. documenta in Kassel.[4] Der Sammler Peter Ludwigerwarb große Werkblöcke, die später als Schenkung in das Kölner Museum Ludwig übergingen, wo sich noch heute einer der größten Sammlung von Pop Art außerhalb der USA befindet. Ende der 1980er Jahre kamen aus der Sammlung von Karl Ströher umfangreiche Werkgruppen mit Arbeiten von Warhol, Lichtenstein, Jasper Johns und Rauschenberg in den Bestand des Museum für Moderne Kunst in Frankfurt am Main.
Der Titel Leben mit Pop - Eine Demonstration für den kapitalistischen Realismus wird 1963 für Ausstellung und Happening von Gerhard Richter und Konrad Lueg in einem Düsseldorfer Möbelhaus benutzt. Der Berliner Galerist René Block nahm den Begriff dann für seine Künstler KP Brehmer, Karl Horst Hödicke, Sigmar Polke und Wolf Vostell. Vostell bewegte sich zwischen Décollage, Fluxus und Pop - wenn er Autos einbetoniert oder Eddie Adams Pressefoto der Erschießung eines VC in Saigon benutzt. Auch der politische Berliner Realist Peter Sorge benutzte popartige Versatzstücke.
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